29 de mayo de 2011

Exposición de James Castle en el Museo Reina Sofía

La exposición de James Castle en el Museo Reina Sofía de Madrid se llama Mostrar y Almacenar y puede visitarse hasta el 5 de septiembre de 2011.

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En ella se puede disfrutar de la mirada ensimismada de este artista sobre todo lo que le rodeaba. La exposición se articula en torno a varios hitos o grupos de investigación plástica. Uno de estos grupos serían los paisajes e interiores dibujados con carbón y saliva en todo tipo de soportes, principalmente cajas de cartón aplanadas. En ellos se aprecia una búsqueda formal que se resuelve en un intento de agotar el tema desde distintos ángulos, así como un interés particular por determinados objetos y “sistemas”. Por momentos se obsesiona con pequeños vehículos, como carricoches y carretillas. Luego se ensimisma con los dinteles de las puertas o con algún motivo decorativo que descubre y permuta en composiciones más sintéticas y abstractas.

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Otro de los grupos lo componen los objetos: personajes, cestas, pájaros y sobre todo trajes que James Castle genera con superposición de cartones pintados y cosidos. Luego ubicaba sus obras en la casa o en graneros vacíos para que pudieran contemplarlos sus familiares, terminando el proceso con un dibujo del espacio expositivo.

mostrar y almacenar

También llaman la atención las libretas y los experimentos que hacía con el sistema lingüístico, al que dedica de nuevo, una mirada ensimismada percisamente por acceder a él desde sus circunstancias especiales: era sordo y analfabeto. Parecen gustarle los calendarios que permiten de un solo vistazo contemplar la distribución de los días agrupados en meses. James Castle juega con ello y reproduce intuitivamente las casillas, que rellena con diferentes motivos en lugar de números, como si captara de ellos la esencia o sencillamente decidiera representar sólo esa parte sistémica que le fascinaba.

james_castlejames_castle libretasAunque quizás lo mejor de toda la exposición sean las cajitas en las que guardaba todo, coloridos hatillos de papel y tela que construía el mismo para tener su obra bien almacenada.

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24 de abril de 2011

Posturas del delirio / La histeria, un capítulo de la historia del arte / La bestia negra

Hay tantos títulos sugerentes para comenzar a hablar de aquella “época dorada de la histeria” que es difícil elegir. Todos los arriba anotados parten de la misma fuente: La invención de la histeria de Didi-Huberman. El libro no tiene desperdicio, ni su contenido ni el estilo de su prosa, elegante y rica en sugerencias, aunque en ocasiones se obceque en una idea y la rodee hasta agotarla.

Muy al principio, Didi-Huberman habla de este período como un capítulo de la historia del arte cercano a la pintura y al teatro, donde médicos insaciables provocan, retratan y archivan imágenes de la histeria en colaboración con supuestas histéricas que lo consienten y exageran la teatralidad de sus cuerpos.

Los niños la persiguen a pedradas, como si fuera un mirlo. Los hombres la siguen con la mirada. [Lautreamont]

Todo pasa por la fotografía, es la medicina de la belle époque donde todo tiene un estilo propio, y se ampara en una ingenua creencia: la sinceridad del medio fotográfico.
La estela del romanticismo francés parece enredar también a estos científicos-artistas-voyeurs a la caza de lo sublime. Entre otras cosas en su mirada clínica que une vida y muerte: que anticipa sobre cuerpos vivos los resultados de una futura autopsia. Al parecer el método anatomoclínico del célebre Charcot consistía en estudiar con precisión los síntomas del paciente para, a su muerte, localizar en el cerebro las lesiones que habían provocado los síntomas.

¿Por qué persiguieron los hombres de ciencia la histeria? La bestia negra, como la llamaba Freud.

“La histeria fue, durante largo tiempo, la bestia negra de los médicos, puesto que representaba, para todos, un miedo enorme: pues era una aporía convertida en síntoma. Ahora bien, ese síntoma era el síntoma de ser mujer: así de burdo; y todo el mundo lo sabía. Ustéra: lo que está completamente detrás, en el fondo, en el límite: la matriz. La palabra “histeria” aparece por primera vez en el aforismo trigésimo quinto de Hipócrates, en el que se lee: “En una mujer atacada de histeria, o que tiene un parto difícil, el estornudo que le sigue resulta favorable”. Esto significa que el estornudo coloca el útero en su lugar, en su verdadero lugar, significa que el útero tiene la capacidad de desplazarse. Significa que esta especie de “miembro” propio de la mujer es un animal.

Kiki Smith, Lilith, 1994

¿No podría ser esta conocida escultura que representa a Lilith tal como la concibió la artista Kiki Smith la encarnación de este miedo y esta curiosidad?


“La bestia negra fue al mismo tiempo, secreto y desbordamiento; la bestia negra era una mala jugada del deseo femenino; su parte más vergonzante. (…) Histeria será un término que no ha dejado casi nunca de identificar lo femenino como culpabilidad.”

lilith Lilitu (1892), tablilla de terracota Sumeria o Asiria | Lady Lilith, por Dante Gabriel Rossetti. Fuente: Wikipedia

El libro:
Didi-Huberman, G. Invention de l’hystérie. Charcot et l’Iconographie photographique de la Salpêtrière, Macula, 1982. Traducción al español: La invención de la histeria: Charcot y la iconografía fotográfica de la Salpêtrière, Cátedra, 2007.

Si os interesa este tema, además del libro de Didi-Huberman os recomiendo la visita al blog Psiquifotos

14 de abril de 2011

Cabañas Efímeras

Las Cabañas Efímeras Can Sis Rals

Las Cabañas Efímeras Can Sis Rals realizadas por de Joseph Pujiula i Vila (Gerona, 1937?) en la localidad de Argelaguer, estaban construídas en su totalidad con ramas y hojas de los bosques en los que se ubica.

La experiencia de Pujiula como constructor comenzó con algunos inventos disparatados como una barca de latas a la que añadió el motor de una vespa para navegar por el río Fluvià o un 2CV que también convirtió en un extraño vehículo anfibio.

Su primera construcción “arquitectónica” fue una presa de madera que retenía parte del agua de la riera para hacer un estanque de patos. Animado por el éxito de esta experiencia, se animó a construir una cabaña, a la que siguieron otras tantas y jaulas para los animales que recogía.

No podía parar de construir y una cabaña más osada con puente colgante, dos pisos y trampolín sobre el estanque fue su siguiente paso. Poco a poco fue añadiendo arquitecturas cada vez más complejas y altas, hasta crear una especie de poblado aéreo.

Las Cabañas Efímeras Can Sis Rals

Las imágenes proceden en su mayoría del libro “Escultecturas margivagantes: la arquitectura fantástica en España” escrito por Juan Antonio Ramírez.

3 de abril de 2011

Figuras sin sombra y figuras que son sombra

Persigo la idea de que la ausencia de sombras en el arte outsider es algo más que la omisión del contexto de la figura. La idea de que no hay sombras porque las mismas figuras son sombras.

Por desgracia esto no es cierto, aunque algo de verdad incorpora para las siluetas inquietantes de Bill Traylor, las de Laure Pigeon o Ruggero Cazzanello.

A este último lo descubrí en la conferencia que dio Bianca Tosatti en la UAM el pasado mes de marzo. Ruggero Cazzanello comenzó silueteando su propio cuerpo, imitando los contornos de tiza que traza la policía donde hubo un cadaver. Más adelante se interesó también por atrapar la sombra de algunos objetos y animales.

La sombra representa cualidades y atributos desconocidos o poco conocidos del ego tanto individuales (incluso conscientes) como colectivos. Carl G. Jung

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Ruggero Cazzanello

laure_pigeonLaure Pigeon

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Bill Traylor

26 de marzo de 2011

Antonio Ligabue rugía fuertemente antes de pintar un león o un tigre

Antonio Ligabue

19 de marzo de 2011

De la pintura psiquiátrica al arteterapia en España, conferencia Ana Hernández Merino

Pinacoteca_Psiquiatrica_Espana

En esta conferencia abierta, la Dra. Ana Hernández Merino efectuará un recorrido por la historia de la pintura y la psiquiatría en España durante el siglo XX a través de distintas colecciones o textos y los comienzos del arteterapia.

En ella se estudiará la evolución desde el arte psicopatológico al arte como terapia y se establecerá un  paralelismo en este recorrido histórico entre el uso terapéutico del arte como terapia en nuestro país y en el mundo anglosajón, viendo causas y consecuencias o las relaciones con la vanguardia artística.

Se sugiere consultar con antelación al evento el catálogo on  line de la Pinacoteca psiquiátrica en la web de la Universidad de Valencia

Ana Hernández Merino

Doctora en Bellas Artes por la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Politécnica de Valencia (2000). Desde 1977 trabaja en los Servicios de Salud Mental habiéndose especializado en arteterapia. También es profesora en el Master de Arteterapia de la Escuela de Prácticas de Psicología de la Universidad de Murcia y colabora en los Masters de Arteterapia de la Universidad de Girona y el Master Oficial Interuniversitario (UAM, UCM y UVA) en Arteterapia y Educación Artística para la Inclusión Social.

Ha realizados diversas publicaciones en torno a la pintura de enfermos mentales y el arteterapia y ha comisariado la exposición “Pinacoteca psiquiátrica en España 1917-1990”. Edifici de la Nau, Patrocinada por el Vicerrectorado de Cultura de la Universidad de Valencia (2009).

Título: “De la pintura psiquiátrica al arteterapia en España”

Conferenciante: Dra. Ana Hernández Merino

Día: 23 de marzo

Hora: de 17 a 19

Lugar: Salón de Actos de la Facultad de Formación de Profesorado y Educación

Organización: Master Oficial Interuniversitario (UAM, UCM y UVA) en Arteterapia y Educación Artística para la Inclusión Social y Dpto. de Educación Artística, Plástica y Visual

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19 de febrero de 2011

Bessie Harvey, artista autodidacta

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Bessie Harvey, Caras de África (1994) American Folk Art Museum

El pasado viernes asistí a una estupenda conferencia de Brooke Davis Anderson en la Escuela de Arte 10. En ella se presentó el trabajo de catorce artistas autodidactas, doce de ellos afroamericanos y dos caribeños.

Uno de los mejores momentos para mí fue redescubrir la obra de Bessie Harvey (Dallas, 1929‐ 1994), una artista de Tenesee que trabajaba con palos y todo tipo de artefactos y residuos que recogía en el río. Bessie Harvey tenía la convicción de que los materiales y fragmentos de árbol que rescataba del agua eran objetos espirituales, cargados de magia. Nunca había estado en África y para ella crear se convirtió en una forma de conectar con sus raíces africanas.

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Bessie Harvey, Sueños dorados (izda.) y talla en madera (dcha.), (sin fecha encontrada)

Bessie Harvey iba guardando los objetos que recolectaba en una maleta. De este modo, cuando buscaba conseguir “el regalo” de inspiración que necesitaba para comenzar una obra le bastaba con abrirla y dejar volar su imaginación.

Ellos hablan. Hablamos mientras los construyo; hablamos cuando no estoy
construyéndolos. A veces simplemente cojo un trozo de madera que no es nada y
sé qué es lo que va a ser, lo sé en ese mismo instante y comienzo a hablar con el
trozo de madera antes de tocarlo, antes de hacer nada con ello, porque ya sé que
es algo.

Su obra fue incluida en la colección del Whitney Museum de Nueva York en 1984 y a partir de entonces quedó conectada con los circuitos y el mercado del arte contemporáneo. Una de sus obras posteriores se titula “Las siete lenguas de un marchante de arte”.

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Bessie Harvey, Las siete lenguas de un marchante de arte, (1991-1993)
6 de febrero de 2011

“Jaime” (1974)

Primeros 10 minutos del documental “Jaime” (1974) del director portugués Antonio Reis, donde se retrata la vida y obra de Jaime Fernandes, que comenzó a dibujar a los 60 años durante su intenamiento en el psiquiátrico Miguel Bombarda de Lisboa. Padecía esquizofrenia y paranoia.

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