20 de noviembre de 2011

Exvotos. La representación como intercesora

Os recomiendo el archivo visual de exvotos de la Revista Sans Soleil, abierto a la participación y consulta de todos aquellos investigadores o simplemente aficionados de estas particulares obras.

En esta entada podéis ver una pequeña muestra.

exvotoExvoto pictórico dedicado a la Maddona del Boden. El exvoto da cuenta de una explosión en el interior de un Hotel. El desastre ocurrió en la cocina del Albergue Elíseo de Roma, el 22 de Octubre de 1925, donde trabajaba Aldo Bossi, originario de Gravellona Toce.

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Exvoto pictorico de 1923 encontrado en Alcalá de los Gazules (Cádiz). Está dedicado a Nuestra Señora de los Santos.

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Barcos votivos u ornamentales en la nave central de la ermita de San Juan de Gaztelugatxe (Bermeo).

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Barco votivo. Navío de guerra del siglo XVIII, encontrado en el Santuario de Icíar, antigua iglesia parroquial del siglo XIII y fue reformado en el XVI.

La capilla de Notre Dame des Anges es un centro de peregrinaje cerca de Lurs. Tiene una afamada reputación milagrosa y recibe multitud de peregrinos y ofrendas votivas. Por extraña que pueda parecer la presencia de exvotos en forma de animales disecados, y más concretamente cocodrilos y caimanes, ésta resulta mas habitual de lo esperado. En España se contabilizan una media docena.

Los exvotos son un fenómeno visual de gran complejidad cuyos orígenes se remontan aguas arriba a tiempos pretéritos pudiendo considerarse una reacción netamente humana hoy día presente y viva todavía en muchos países. Surgidos desde una profunda conciencia religiosa, el exvoto es una valiosa muestra de la Religiosidad Popular, de la fe en el poder que tienen las fuerzas sobrenaturales para interferir en el curso de las enfermedades, los accidentes o un sinfín de circunstancias particulares. No responden a la normatividad de la institución religiosa, surgen de la espontaneidad del pueblo, y son igualmente valiosos desde la perspectiva del arte popular, como imagen de una sociedad y como fuente de investigación en su contexto de realización. Como afirman Elin Luque y Michele Beltrán “La religión popular, que no solo resulta diferente sino contrapuesta a la oficial, contempla prácticas religiosas subalternas que manifiestan su oposición a las clases dominantes y expresa una relación directa entre el fiel y lo sobrenatural, sin requerir de un intermediario clerical”.

Los exvotos funcionan como espejo donde ver reflejados los dolores, necesidades y suplicas de cada época y sociedad. Por ejemplo en tiempos difíciles, cuando la sociedad trata de aferrarse a algo, los exvotos dan perfecta cuenta de estas dificultades. Además, la práctica exvotista suele relacionarse fuertemente en ciertas latitudes con las mujeres, funcionando como muestra de sus procesos de inserción, etc. Son por tanto documentos históricos de un alto valor etnográfico.

Fuente: Archivo de exvotos de la Revista Sans Soleil.

16 de octubre de 2011

Primitivo pero moderno [exposición]. Aprender y desaprender a dibujar

muestra de arte autodidacta en España

muestra de arte autodidacta en Españamuestra de arte autodidacta en Españamuestra de arte autodidacta en España


Primitivo pero moderno es el nombre de la exposición que recoge el resultado de seis meses de trabajo en torno al retrato a carboncillo. Las personas que han participado se encuentran temporalmente alojadas en Chindasvinto 78, una casa de acogida para gente sin hogar.

Es un privilegio poder ver estos dibujos en contexto. Sobre la cama de la persona que los realizó, colgados en las paredes del comedor, en los pasillos o en el breve gimnasio y por supuesto, poder hablar con la gente que los hizo. Conocer un poco cómo es su vida y lo que les ha aportado la experiencia del taller.

La exposición se reparte por las tres plantas de la vivienda, que da alojamiento a seis personas. En el sótano tenemos lo que Jaime Vallaure, autor del proyecto, denomina “el horno”. Aquí están las piezas más experimentales, correspondientes a los inicios. Según ascendemos por las escaleras hasta la primera y segunda planta asistimos a un proceso de depuración de las técnicas aprendidas. Así, las obras de la última planta son las más “sofisticadas”.

El objetivo de los talleres es explorar al máximo las posibilidades del tema (autorretrato) para tratar de romper ideas preconcebidas de lo que es una cara. Muchos de los dibujos son obras conjuntas realizadas entre tres personas, lo que da lugar a visiones ricas e inesperadas del retrato. También se recurre a juegos como meter la cabeza en una caja de cartón y pintar sobre ella el rostro para luego dibujar el resultado. Se propone partir de números: el clásico “seis y  cuatro la cara de tu retrato”; o se recortan los elementos del rostro para mezclarlos nuevamente mediante collage.

El carboncillo es la técnica ideal para esto, por su inmediatez y dificultad. Se utiliza a menudo tumbado, para huir del control de la punta, se emborrona, se borra y difumina. Se redefine algo si es necesario después. O se deja como está, en una sugerencia más elocuente que un retrato definido.

En el fondo es un fructífero encuentro entre las ganas de aprender a dibujar y las ganas de desaprender de alguien que busca recuperar la frescura de “no-saber”. Cerramos con unas palabras de Jaime Vallaure sobre el proyecto.

Crear no es comunicar, es resistir
G. Deleuze

Primitivo pero Moderno es un proyecto de investigación creativa sobre el retrato y el autorretrato al carboncillo entendido éste como herramienta conceptual de conocimiento personal y de exploración formal.

Se trata de un taller de trabajo experimental con personas que habitan temporalmente una casa de acogida para gente sin hogar. Se trata de poner en práctica estrategias eficaces de autoría colectiva. Se trata de intentar poner a prueba el concepto de modernidad mediante la utilización de técnicas tradicionales de dibujo entendido éste como herramienta conceptual primaria. Se trata de entender lo dibujado como una confrontación, un accidente entre la imagen mental previa, las órdenes cerebrales emitidas a los dedos, fuera o dentro del control, y lo que el ojo ve o cree que ve. Se trata de trabajar con un telescopio y un microscopio en cada mano. Se trata de establecer un puente transitable entre una mano educada en un sistema cultural dominante y otra mano movida por la sinrazón. Se trata de trabajar con lo quemado, lo negro absoluto, para generar luz sin incendiarse. Se trata de cuestionar el juicio de lo hecho y el prejuicio de lo por hacer.
Se trata de codearse con la utopía intentando buscar nuevas maneras de hacer visible lo real del mundo plantando la tienda de campaña entre el ser y la apariencia. Se trata fundamentalmente de defender una posición frente a la inmensidad de lo existente para revindicar una atención humilde, silenciosa y sin prejuicios.

Creador del proyecto: Jaime Vallaure
Autores de los dibujos: Manuel Vanegas, Hugo Reyes, Fernando Eguía, José Valero, Filomeno Augusto Dias y Fernando Ventura.

Mas fotos de “Primitivo pero moderno” en flickr

Fuentes de las imágenes: Fotografías de Jaime Vallaure y Graciela García.

8 de octubre de 2011

Abierta convocotaria recepción de artículos sobre arte outsider/ “Call for entries”

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Nukain Mabusa
Junkerhouse
Karl Junker
ni tanjung
Ni Tanjung

Está abierta la convocatoria para el especial del Primer Número de la Sección Bric-à-Brac de la Revista Sans Soleil.

Para quienes aún no lo conocéis, Bric-à-brac es un espacio creado para la reflexión, en un contexto multidisciplinar, sobre temas como arte autodidacta, arte outsider, art brut y en general todo tipo de manifestaciones creativas que se dan al margen del “Arte con mayúscula”.

El tema del especial es “Arquitecturas/entornos outsider“. La recepción de material relativo al tema sugerido (u otros temas que se encuentren dentro de la línea editorial: arte outsider) comprende artículos de investigación, ensayos audiovisuales y fotográficos, entrevistas y reseñas.

El pdf con la información completa se puede descargar en Bric-à-brac

25 de septiembre de 2011

Éxodo Yaqta-Puchukay


art brut Perú
En Lima, cerca de la Plaza de Armas, topé sin quererlo con esta exposición de arte popular colectivo “Éxodo Yaqta-Puchukay” comisariada por “Micromuseo, al fondo hay sitio“.

La muestra recoge el testimonio de la comunidad andina Sarhua forzada a migrar masivamente a las ciudades de Lima e Ica por las matanzas y abusos del terrorismo y de los militares, que diezmaron la población.

La guerra tiene lugar en los años 80 y se la denomina tan sólo “conflicto armado interno”. A día de hoy el sufrimiento de este pueblo permanece silenciado por la ausencia de registros periodísticos u oficiales. Por fortuna, los sarhuas han encontrado en su tradición pictórica un arma poderosa para preservar su memoria.

Las tablas pintadas que pueden verse en la exposición ilustran el surgimiento de Sendero Luminoso y la presión a dos bandos que se ejerció sobre la población en los años siguientes. Por un lado los terroristas les obligaban a formar parte de la organización o al menos a ponerse a su disposición. Por otro los militares y las fuerzas del orden les oprimían.

Éxodo Yaqta-Puchukay

No menos terrible es su situación tras el éxodo. Las tablas explican didácticamente el proceso de degradación al que se ven abocados al llegar a la ciudad y encontrarse desahuciados y con grandes dificultades para sobrevivir económicamente. Allí desempeñan los trabajos irregulares más bajos y viven casi completamente desconectados de sus tradiciones de origen inca.

Además de las tablas pueden verse vigas pintadas, versión contemporánea de aquéllas que acostumbraban a regalar los padrinos cuando un matrimonio sarhua terminaba de construir su casa. En ellas se representa a las divinidades quechua en convivencia con santos o vírgenes y otras escenas cotidianas representativas para la vida de la pareja. Esta tradición se vio interrumpida en 1970 y ahora resurge gracias al nuevo impulso creativo que ha tomado la comunidad.

Todo ello es obra de la ADAPS, Asociación de Artistas Populares de Sarhua, que lleva trabajando en la recuperación de la memoria de la guerra desde 1986.

La exposición puede verse hasta el 2 de octubre de 2011 en la Galería Municipal de Arte Pancho Fierro – Centro Histórico de Lima.

Merece la pena echar un vistazo al proyecto Micromuseo y sus propuestas, como “lo impuro y lo contaminado” “pulsiones neobarrocas en las rutas de Micromuseo”.

26 de junio de 2011

James Castle (II)

James Castle es un ensamblador. Hace construcciones de abrigos. También hace un inventariado de los rincones que le rodean, interiores y exteriores, como si elaborara una lista visual.
Dice Zoe Leonard en el texto de escribe para el catálogo de la exposición en el Reina Sofía que los dibujos son serenos. Es cierto, no traslucen catarsis ni inquietud, son más bien el fruto de una mirada ensimismada con el orden en el mundo, una celebración de la lógica subyacente en cada mecánica y organismo.

Personas, pájaros, marcos, abrigos, sillas, cestas, carretillas… con una preferencia por lo que envuelve antes que por el contenido.

29 de mayo de 2011

Exposición de James Castle en el Museo Reina Sofía

La exposición de James Castle en el Museo Reina Sofía de Madrid se llama Mostrar y Almacenar y puede visitarse hasta el 5 de septiembre de 2011.

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En ella se puede disfrutar de la mirada ensimismada de este artista sobre todo lo que le rodeaba. La exposición se articula en torno a varios hitos o grupos de investigación plástica. Uno de estos grupos serían los paisajes e interiores dibujados con carbón y saliva en todo tipo de soportes, principalmente cajas de cartón aplanadas. En ellos se aprecia una búsqueda formal que se resuelve en un intento de agotar el tema desde distintos ángulos, así como un interés particular por determinados objetos y “sistemas”. Por momentos se obsesiona con pequeños vehículos, como carricoches y carretillas. Luego se ensimisma con los dinteles de las puertas o con algún motivo decorativo que descubre y permuta en composiciones más sintéticas y abstractas.

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Otro de los grupos lo componen los objetos: personajes, cestas, pájaros y sobre todo trajes que James Castle genera con superposición de cartones pintados y cosidos. Luego ubicaba sus obras en la casa o en graneros vacíos para que pudieran contemplarlos sus familiares, terminando el proceso con un dibujo del espacio expositivo.

mostrar y almacenar

También llaman la atención las libretas y los experimentos que hacía con el sistema lingüístico, al que dedica de nuevo, una mirada ensimismada percisamente por acceder a él desde sus circunstancias especiales: era sordo y analfabeto. Parecen gustarle los calendarios que permiten de un solo vistazo contemplar la distribución de los días agrupados en meses. James Castle juega con ello y reproduce intuitivamente las casillas, que rellena con diferentes motivos en lugar de números, como si captara de ellos la esencia o sencillamente decidiera representar sólo esa parte sistémica que le fascinaba.

james_castlejames_castle libretasAunque quizás lo mejor de toda la exposición sean las cajitas en las que guardaba todo, coloridos hatillos de papel y tela que construía el mismo para tener su obra bien almacenada.

james_castle cajas

24 de abril de 2011

Posturas del delirio / La histeria, un capítulo de la historia del arte / La bestia negra

Hay tantos títulos sugerentes para comenzar a hablar de aquella “época dorada de la histeria” que es difícil elegir. Todos los arriba anotados parten de la misma fuente: La invención de la histeria de Didi-Huberman. El libro no tiene desperdicio, ni su contenido ni el estilo de su prosa, elegante y rica en sugerencias, aunque en ocasiones se obceque en una idea y la rodee hasta agotarla.

Muy al principio, Didi-Huberman habla de este período como un capítulo de la historia del arte cercano a la pintura y al teatro, donde médicos insaciables provocan, retratan y archivan imágenes de la histeria en colaboración con supuestas histéricas que lo consienten y exageran la teatralidad de sus cuerpos.

Los niños la persiguen a pedradas, como si fuera un mirlo. Los hombres la siguen con la mirada. [Lautreamont]

Todo pasa por la fotografía, es la medicina de la belle époque donde todo tiene un estilo propio, y se ampara en una ingenua creencia: la sinceridad del medio fotográfico.
La estela del romanticismo francés parece enredar también a estos científicos-artistas-voyeurs a la caza de lo sublime. Entre otras cosas en su mirada clínica que une vida y muerte: que anticipa sobre cuerpos vivos los resultados de una futura autopsia. Al parecer el método anatomoclínico del célebre Charcot consistía en estudiar con precisión los síntomas del paciente para, a su muerte, localizar en el cerebro las lesiones que habían provocado los síntomas.

¿Por qué persiguieron los hombres de ciencia la histeria? La bestia negra, como la llamaba Freud.

“La histeria fue, durante largo tiempo, la bestia negra de los médicos, puesto que representaba, para todos, un miedo enorme: pues era una aporía convertida en síntoma. Ahora bien, ese síntoma era el síntoma de ser mujer: así de burdo; y todo el mundo lo sabía. Ustéra: lo que está completamente detrás, en el fondo, en el límite: la matriz. La palabra “histeria” aparece por primera vez en el aforismo trigésimo quinto de Hipócrates, en el que se lee: “En una mujer atacada de histeria, o que tiene un parto difícil, el estornudo que le sigue resulta favorable”. Esto significa que el estornudo coloca el útero en su lugar, en su verdadero lugar, significa que el útero tiene la capacidad de desplazarse. Significa que esta especie de “miembro” propio de la mujer es un animal.

Kiki Smith, Lilith, 1994

¿No podría ser esta conocida escultura que representa a Lilith tal como la concibió la artista Kiki Smith la encarnación de este miedo y esta curiosidad?


“La bestia negra fue al mismo tiempo, secreto y desbordamiento; la bestia negra era una mala jugada del deseo femenino; su parte más vergonzante. (…) Histeria será un término que no ha dejado casi nunca de identificar lo femenino como culpabilidad.”

lilith Lilitu (1892), tablilla de terracota Sumeria o Asiria | Lady Lilith, por Dante Gabriel Rossetti. Fuente: Wikipedia

El libro:
Didi-Huberman, G. Invention de l’hystérie. Charcot et l’Iconographie photographique de la Salpêtrière, Macula, 1982. Traducción al español: La invención de la histeria: Charcot y la iconografía fotográfica de la Salpêtrière, Cátedra, 2007.

Si os interesa este tema, además del libro de Didi-Huberman os recomiendo la visita al blog Psiquifotos

14 de abril de 2011

Cabañas Efímeras

Las Cabañas Efímeras Can Sis Rals

Las Cabañas Efímeras Can Sis Rals realizadas por de Joseph Pujiula i Vila (Gerona, 1937?) en la localidad de Argelaguer, estaban construídas en su totalidad con ramas y hojas de los bosques en los que se ubica.

La experiencia de Pujiula como constructor comenzó con algunos inventos disparatados como una barca de latas a la que añadió el motor de una vespa para navegar por el río Fluvià o un 2CV que también convirtió en un extraño vehículo anfibio.

Su primera construcción “arquitectónica” fue una presa de madera que retenía parte del agua de la riera para hacer un estanque de patos. Animado por el éxito de esta experiencia, se animó a construir una cabaña, a la que siguieron otras tantas y jaulas para los animales que recogía.

No podía parar de construir y una cabaña más osada con puente colgante, dos pisos y trampolín sobre el estanque fue su siguiente paso. Poco a poco fue añadiendo arquitecturas cada vez más complejas y altas, hasta crear una especie de poblado aéreo.

Las Cabañas Efímeras Can Sis Rals

Las imágenes proceden en su mayoría del libro “Escultecturas margivagantes: la arquitectura fantástica en España” escrito por Juan Antonio Ramírez.

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