10 de octubre de 2010

Giovanni Battista Podestà y la muerte

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La muerte aparece en las creaciones de Giovanni Battista Podestà (Italia, 1895-1976) como una sombra domesticada, en ningún caso como un tabú. Su experiencia con la muerte y el duelo parte de la infancia, con el prematuro fallecimiento de su padre. Más tarde combatió en las dos guerras mundiales, de la primera vuelve turbado por las atrocidades presenciadas. La segunda no hace sino reactivar la herida abierta con la primera.

La vuelta a la vida civil tampoco le resulta sencilla porque Italia sufre en esos momentos un cambio profundo en su fuerza laboral que abandona el medio rural y con él sus raíces tradicionales más profundas. Podestà siente su identidad bascular y se vuelca en su producción pictórica y escultórica. La imagen de la muerte está también presente en sus ropas, desde el abrigo hasta las corbatas pintadas.

Podestá se instala en Laveno, donde entre otras excentricidades asiste a cada enterramiento. Aunque no conozca al difunto, acompaña al cortejo fúnebre y pronuncia algunas palabras a modo de despedida. La recreación de su propia muerte es otras de sus obsesiones. Construye su propio ataúd y algunas piezas pequeñas como esta que se muestra Le mie spoglie mortali (s.f.) donde unos esqueletos entregan su cadáver a la tierra. El autor utiliza cabello y pelo de su barba para reforzar la semejanza con su autorretrato.

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Las imágenes y la información para este post proceden de: TOSATTI, B. (2006) Beautés insensées. Figures, histories et maîtres de l’art irrégulier. Milán: Skira.

26 de septiembre de 2010

Sobre el signo artístico

(…) cada uno de nosotros a lo largo de una vida inventa su propio bestiario (…), un repertorio de signos zoológicos propio. Todos estamos obligados a ello porque nacemos incluidos en una constelación de signos y nuestra vida consistirá en la alteración o la permanencia, el crecimiento o la mengua, de esos signos heredados que puden ser una fortuna o una condena según sepamos descifrarlos.

Félix de Azúa, Autobiografía sin vida (Mondadori).

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Creaciones de Bill Traylor

19 de septiembre de 2010

Objetos insólitos

“Nada es sólito apenas se lo somete a un escrutinio sigiloso y sostenido”

J. Cortázar, La Vuelta al Día en Ochenta Mundos

Al comienzo de Manual de Instrucciones (Historias de Cronopios y de Famas) Julio Cortázar nos invita a descubrir las fisuras de lo apariencial:

“Apretar una cucharita entre los dedos y sentir su latido de metal, su advertencia sospechosa. Cómo duele negar una cucharita, negar una puerta, negar todo lo que el hábito lame hasta darle suavidad satisfactoria. Tanto más simple aceptar la fácil solicitud de la cuchara, emplearla para revolver el café.”

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Julio Cortázar (izda.) y detalle de obra de Bispo do Rosàrio (dcha.)

Creo que Julio Cortázar (que sí conoció a Adolf Wölfli) no conoció a Arthur Bispo do Rosário pues de haberlo hecho, le habría dedicado algún lugar en sus escritos. Es seguro que le habría encantado la ligereza con que pasaba de largo de la funcionalidad de los objetos. Su empeño en reconstruir el mundo desde su propio criterio, a través del más arbitrario de los inventarios.

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Detalle de obra de Bispo do Rosàrio

Como él, otros creadores como Ferdinand Cheval, Nek Chand, Tressa Prisbey o Bodan Litnansky se sintieron fascinados por algunos objetos que encontraban. Quisieron ver en ellos repertorios de formas donde otros sólo veían basura o trastos viejos.  Comenzaban acumulándolos (versión “bruta” del coleccionismo) antes o mientras construían. Cheval y Chand miraban sus piedras, Prisbey sus lápices y Litnansky sus muñecas. Sabían que algún día servirían para algo, les darían “el regalo” de inspiración que necesitaban para comenzar.

La artista Bessie Harvey (Dallas, 1929-1994) guardaba objetos que le llamaban la atención en una maleta en la que se adentraba en busca de ese regalo. Existe en el proceso creativo de estas personas el placer de construir algo a partir de lo que se considera nada. El placer de no saturar el universo.

“El objeto tiene una existencia independiente, pero el artista actúa como el que, paseando por una playa, descubre una concha o una piedra pulida por el mar, se las lleva a casa y las coloca sobre una mesa, como si fueran objetos de arte que revelan su inesperada belleza”. (Humberto Eco)

El acto creativo permite abrir fisuras en la cotidianidad (que se desplaza cuando la empujas suavemente con el hombro) como hace la cronopia Agnés Varda y algunas personas que aparecen en su película “Los espigadores y la espigadora”.

4 de julio de 2010

El proceso creativo en las artes plásticas: Curso

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El escultor Aurélien Lortet

La Universidad Pablo de Olavide de Carmona organiza este verano por octava vez un programa de cursos de verano entre los que se encuentran propuestas muy interesantes. Esta vez tengo la suerte de participar en uno de ellos: “El proceso creativo en las artes plásticas, desde la génesis de la idea hasta su realización” coordinado por el escultor Aurélien Lortet y en el que también participa la conocida artista textil Marie-Rose Lortet vinculada al art brut y la profesora Eugenia Agustí de la Universidad de Barcelona.

Datos y programa:

Fecha de celebración: Del 26 al 30 de julio.
Coordinación: Don Aurélien Lortet. Escultor.

Duración: 30 horas. Libre configuración: 3 créditos.
Tarifa:
Código del Curso: 2010cc00

Resumen del contenido del curso: En este curso se pretende definir, delimitar y acercarse al proceso creativo en el ámbito de las artes plásticas, buscando cuáles son sus detonantes, su desarrollo, sus etapas, sus procesos intermedios, hasta llegar a la conclusión su realidad física como obra.

Dirigido a: Estudiantes de arte, bellas artes, artes plásticas, escultores, pintores, artistas en general y cualquier persona interesada en la materia propuesta de estudio.

Ver programa >>

Y no quiero dejar de recomendaros otro de los cursos : “Arteterapia y artes visuales en la construcción de la identidad” cuyo programa podéis consultar aquí.

26 de junio de 2010

El altar de Ni Tanjung

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Ni Tanjung construyó junto a una carretera balinesa un montículo-altar de piedras pintadas con blanco, entre las que intercalaba flores recién cortadas y varas de incienso.

Lo más interesante de su trabajo es el ritual creativo al que se entregó cada día, invariablemente. Una ceremonia que incluía ofrenda de flores, cánticos y danzas de su invención dedicadas a sus ancestros. Siempre llevaba en la mano un espejo  para mirar su obra desde distintos ángulos, incluyéndose dentro de la escena, mientras cantaba. El espejo le permitía verse integrada en el mundo construido. A través de él viajaba a la obra y convertía su mirada en una acción significante (o intencionada, o distante).

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Ni Tanjung tiene ahora unos ochenta años y vive en condiciones muy humildes junto a su marido y su hija (la única que vive de los cuatro que tuvieron). Ni Tanjung fue capturada durante la ocupación japonesa y obligada a realizar trabajos forzosos pero lo que verdaderamente marcó su vida fue el fallecimiento de uno de sus hijos siendo aún niño. Fue a partir de ese momento cuando se dedicó a construir este altar, que en la actualidad ha sido desmatelado.

Más información y fuentes de las imágenes aquí y aquí

20 de junio de 2010

Sobre la colección de l’Art Brut de Lausanne

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Henry Darger

En una visita hace dos semanas a la colección de l’Art Brut de Lausanne tuve oportunidad de ver en directo algunas obras que conocía por reproducciones. Las imágenes de los catálogos suelen ser una obra en sí y a veces desmerecen los originales (o los mejoran).

Entre las piezas imposibles de reproducir sin sacrificar la impresión de tenerlas delante están los lienzos de Auguste Lesage. Por alguna razón los colores reales se parecen bastante poco a los colores de las reproducciones, los fondos son más neutros y las gamas más sutiles. Son increíblemente pulcros y simétricos. Sorprende lo grandes que son, en particular el primero que pintó, y están realizados con gran profusión de detalle que se pierde en las copias impresas.

También los dibujos de Anna Zemankova ganan mucho en directo, el trazo del dibujo es tan fuerte que son casi bajorrelieves. Tampoco me imaginaba que el blanco vestido de novia que confeccionó Marguerite Sirvins tendría por detrás botones de hilo de colores.

Por nombrar también alguna pequeña decepción, las obras de Wölfli no me produjeron el efecto que esperaba. Ya había visto algunos de sus dibujos en las exposiciones traídas a Madrid y me habían dejado un poco indiferente. Ver en Lausanne varias de ellas reunidas debería haberme ayudado a meterme en el universo del autor, tan conocido y tan admirado y sin embargo, por alguna razón las obras no me decían nada.

Todo lo contrario me pasó con Henry Darger, que no me había interesado hasta ahora. Nunca me habían interesado los estereotipados dibujos de las niñas Vivian, por lo que no me había fijado en los escenarios con la atención que se merecen. Algunos de ellos tienen un largo desarrollo en el que se da un interesante juego con las escalas y las transiciones entre espacios. Algo parecido me sucedió con Paul Amar, tampoco en su caso había sabido ver más allá del kitsch de las esculturas compuestan con elementos marinos y pintadas con barniz de uñas. Ni siquiera cuando las trajeron al Círculo de Bellas Artes hace unos años. Por el contrario al verlas reunidas en la oscura sala que le dedica el museo de Lausanne, se desvela que en esos teatrillos hay algo más profundo y potente de lo que parece a simple vista. La mayoría estaban presentados dentro de cajas de cristal e iluminados con varias bombillas escondidas entre las conchas de modo que parecían una especie de acuarios con submundos del otro lado del espejo.

Se puede ver un video con algunas de sus obras  aquí.

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Paul amar

Fuentes de las imágenes:

Henry Darger
Paul Amar

13 de junio de 2010

dibujos-inventario de mujeres en psiquiátricos

Descubrí que mi obsesión de que cada cosa estuviera en su puesto, cada asunto en su tiempo, cada palabra en su estilo, no era el premio merecido de una mente en orden, sino al contrario, todo un sistema de simulación inventado por mi para ocultar el desorden de mi naturaleza (García Márquez, Memoria de mis putas tristes).

Es curiosa la afición del ser humano por los inventarios o sus conceptos afines, menos ligados a lo económico, el coleccionismo y los gabinetes de curiosidades. Parece como si necesitáramos nombrar, ordenar, representar el mundo para apropiárnoslo.

En otros artículos se ha hablado de la creación de museos personales link 1 y link 2 que responden un poco a esa necesidad de organizar y materializar los conocimientos para crear una enciclopedia a medida.

En el libro Waanzin Is Vrouwelijk, La folie au féminin, Madness is female editado por el Museo Dr. Guislain, he encontrado nuevas muestras de inventarios realizados por mujeres internadas en psiquiátricos a principios del siglo 20. Creaciones de mujeres que necesitaban desesperadamente reafirmar su identidad y que encontraban en la representación de los objetos un puente hacia la perdida materialidad del mundo. Mediante la elaboración de estos dibujos se combate de algún modo la frialdad de la institución, la carencia de objetos personales y de objetos afectivos, recuperando una porción (un registro para la memoria) de las cosas perdidas. Así Hedwig Wilms (Alemania, 1874-1915), quien apenas hablaba ni comía, quiso hacerse con una vajilla similar a la que tenía antes de ser internada y que confeccionó con el único material que tenía: grueso hilo de algodón. Así, aunque no recuperara el objeto querido sí se apropiaba de su fantasma, de su sombra. Pero volviendo a los inventarios, los siguientes dibujos proceden de tres mujeres diferentes, dos de ellas acompañan los dibujos de anotaciones a fin de definir y atrapar aún más el objeto representado. La ilusión de control que proviene de representar fragmentos del mundo reside en todos nosotros, desde niños, necesitamos dibujar a nuestros seres queridos, confeccionar barajas de cartas a medida, coleccionar todo tipo de cosas. En todos los casos, lo más interesante de los inventarios, también del más completo de ellos realizado por el artista Bispo do Rosàrio, es la selección de los objetos representados y los lazos invisibles que los ligan entre sí trazando senderos por un mapa de la psique de su autor.

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Aline von Perfall (Bamberg)

Shigeko Akakabe (Tokio)

Frau Br (Viena)

22 de mayo de 2010

Carteles de películas para el “cine móvil” de Ghana

carteles Ghana carteles Ghana carteles Ghana

Estos carteles fueron pintados entre 1985 y 1996 por varios artistas de Ghana. Su función era anunciar las películas que las empresas de cine móvil iban a retrasmitir en algún teatro o club de la aldea, a veces también se organizaban los “visionados” al aire libre.

El fenómeno del cine móvil comenzó en Ghana en la década de los ochenta como una oportunidad para acercar al pueblo las películas que de otro modo no conseguirían ver. Para ello necesitaban poco más que un reproductor de video, una cinta VHS y un monitor de televisión, que eran conectados a un generador portátil.

Lo más divertido del asunto era que los carteles los encargaban a pintores que muchas veces no habían visto la película. Estos no tenían más remedio que ilustrarla con lo que se quisieran imaginar a partir del título. Lo importante no era ser fiel a la trama sino crear escenas atrayentes, con colores vibrantes y con promesas de acción y terror.

La mayoría de estos carteles están pintados en lonas de sacos de harina reciclados. El fenómeno del cine móvil decayó a finales de los 90, con la popularización de la televisión en los pueblos de Ghana.

Las películas escogidas provienen de Hollywood y de Hong Kong, con menor presencia de películas africanas. El libro Extreme Canvas: Movie Poster Paintings from Ghana, de Ernie Wolfe, editado por Dilettante Press, recoge una buena cantidad de estas imágenes y ensayos de personas vinculadas al arte y el cine, entre ellos Gus Van Sant y Angélica Huston.

Las imágenes proceden del blog ephemera assemblyman

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