Archivo de la categoría ‘arte outsider en España’

17 de noviembre de 2017

Inauguración de la exposición “Neus Sala, el Museo íntimo”

arte outsider en españa, barcelona. Neus Sala

El próximo 24 de noviembre a las 19h inauguramos la exposición “Neus Sala, el museo íntimo” en el Muxart de Martorell.
Comisariada por Marta Miró y Graciela García

11 de noviembre de 2017

Neus Sala, el museo íntimo

Es un sábado cualquiera de por ejemplo, 2006. Inauguran una exposición en L’Enrajolada. No importa de qué sea, entre los asistentes encontraremos, infaltable, la figura de una pequeña mujer.

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Su pelo canoso rematado en un flequillo enmarca un rostro pálido de ojos achinados bajo rectas cejas de lápiz negro. Siempre va coqueta, con los labios pintados de carmín y vestida con ropa que ella misma confecciona o retoca. ¡Verde con rojo! ¡Amarillo y blanco! ¡Estampados de flores! Cada conjunto realzado con un extravagante collar largo.

Neus Sala, El múseo íntimo, art brut en España

A veces habla con los trabajadores del museo. Ellos están acostumbrados a verla y a escucharla. A Neus le gusta presumir de tener un museo propio en su apartamento pero muy pocos han tenido la oportunidad de verlo. La Neus, que quiere y no quiere mostrarse, a quien le resulta quizás más fácil compartir lo que escribe.Sus poesías, que presenta a concursos locales, son cantos manieristas que le procuran, a veces, pequeños reconocimientos.

El sufrimiento está presente en muchos de sus escritos biográficos. Neus Sala sufrió mucho a lo largo de su vida, entre otras cosas la guerra, la muerte de cinco seres queridos incluido su hijo en extrañas circunstancias y varios atropellos que la llevaron a someterse a frecuentes operaciones de las manos y los pies. Sus diarios traslucen también un fuerte deseo de relevancia personal. Neus fue una mujer muy activa y apasionada por todo lo que tuviera que ver con la música y el baile. Además, Neus escribía, pintaba, bordaba y cuidaba centenares de plantas.

Neus Sala, El múseo íntimo, art brut en España

Neus Sala, El múseo íntimo, art brut en España

Pero lo más interesante es lo que se cocinaba lenta e implacablemente entre las paredes de su hogar. No sabemos cómo ni cuándo comenzó la transformación. Fue quizás por la pared del recibidor, que cubrió de billetes de lotería almacenados durante años. Algo debió gustarle en el resultado o en el proceso porque los muros del apartamento terminaron forrados con elementos seriados de todo tipo: recordatorios de comunión, mapas, sellos, postales de Reyes Magos… Cada tramo parece merecer un tema o tratamiento. Neus deja pocos espacios en blanco. Como la mayoría de creadores autodidactas que se guían por la compulsión, parece buscar anegar el vacío.

Neus Sala, El múseo íntimo, art brut en España

Neus Sala, El múseo íntimo, art brut en España

Neus Sala, El múseo íntimo, art brut en España

Fotografías de Josep Socorret

A partir de cierto momento decide también no tirar ningún envase de plástico porque cualquier vulgar bote puede ser pintado y transformado en un voluptuoso jarrón. Hablamos de cientos de botes a los que se les concede una segunda oportunidad, más gloriosa y noble, que transciende su funcional y perecedero destino. Neus les da vida y los encumbra en estanterías por toda la casa. En estas creaciones es donde mejor se aprecia el imaginario de Neus, donde lo femenino y la naturaleza explotan con exuberancia.

Su universo pictórico tiene puntos de encuentro con el de Aloïse Corbaz, la conocida artista outsider austriaca. La omnipresencia de la mujer joven idealizada, la sensualidad, la gloria, los colores vibrantes, en particular el rojo, los ojos, las bocas, las flores… Ambas hubieran querido ser cantantes de renombre pero su sueño se vio frustrado y se entregaron a la recreación de lo fastuoso en su obra íntima, que vuela donde ellas no pudieron llegar. Una obra en la que estallan incontrolables los deseos. Inundando, en el caso de Neus, cada rincón del hogar. A veces tomando la forma de una pulsión coleccionista como si acumulando y ordenando objetos pudiera uno apropiarse del mundo, cuyas injustas e imprevisibles leyes escapan de nuestro control.

Las caras de mujer y las flores emergen por todas partes, no solo en los envases, también en los cojines, los muebles pintados… Hasta una bombilla puede ser transformada en una carita de mujer joven, hermosa, sin defectos ni peculiaridades. Siempre la misma. Su principal atención se centra en los ojos y las bocas, que a menudo se representan sueltos, como seres independientes. Los ojos y las bocas son al fin y al cabo los principales intermediarios del rostro. Cuando los cerramos estamos con nosotros mismos. Cuando los abrimos comienzan las alegrías y los problemas (el contacto con los otros).

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La boca representa lo sensual, la comunicación, la oralidad, el deseo… y no olvidemos que la boca es la última parte del cuerpo que atraviesa el canto. El canto arrebatado de Neus, que hubiera querido dedicarse a cantar y bailar pero a quien la vida llevó por otro lado. Es la boca la que pide atención y la que entrega besos, la que encandila y da las gracias tras una espléndida actuación. También es una estructura sensorial: un bebé se lleva continuamente cosas a la boca para saber qué son. Encarna el sentido de diferencia entre lo que está dentro y lo que está fuera, es una puerta.

Puertas. La exposición abre una puerta al espacio íntimo de Neus. Ese espacio que, como decíamos, tanto deseaba mostrar y que también celó. En uno de sus dibujos aparece una mujer semi-oculta tras su mano de la que vemos sólo un ojo ¿está escondiéndose? ¿vigilando?

Hoy su obra está a punto de exponerse en el Muxart, uno de los museos de Martorell y nos gusta pensar en cómo ella habría disfrutado de verse al fin reconocida como artista. Ver que su museo íntimo funciona al fin como tal, que merece atención, estudio, cariño y admiración. La inauguración tendrá lugar el 23 de noviembre de 2017. Pronto daremos a conocer más detalles sobre la exposición.

La belleza de este proyecto reside en abrir la puerta a uno de esos universos que pueden estar sucediendo en cualquier casa, en cualquier apartamento, sin que nos demos cuenta. Que un día como si nada comienzan, y empiezan a extenderse por toda la casa, tomando posesión de paredes, muebles, techos… y que un día, como si nunca hubiesen existido, mueren acompañando la existencia de su devoto fabricante. Sencillamente dejan de existir y con ellos un colosal y privado arte, rico en imaginario y evocaciones personales.

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23 de abril de 2016

Gelabert, el fontanero del manicomio y los tegramas.

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Tegrama de Gelabert
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Tegrama de Gelabert
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Tegrama de Gelabert

Gelabert entregaba cada día al Doctor Sarró una cuartilla con escritos y dibujos que él llamaba “tegrama” y que iba dirigida a Dios. Sobre el origen del nombre “tegrama”, Gelabert explicaba que si bien el telegrama sirve para relacionar a los hombres entre sí, el tegrama se utiliza para relacionarse con la divinidad.

Gelabert vivía en un contínuo éxtasis cosmogónico si despreciar las labores mundanas de fontanero que le habían sido asignadas en el asilo. Estaba en contacto contínuo con la divinidad, de quien se consideraba representante «interino-intermitente, del pueblo ignorante y pagano» transcribiendo sus propias escrituras.

Gelabert encontraba mensajes divinos en cada rincón de su pequeño mundo. La naturaleza del patio del manicomio era su principal fuente de revelaciones. Las encontraba en el vuelo de un insecto, en las nubes, en la dirección en que caminaba una orguga… pero sobre todo en los números, especialmente los de la primera docena ya que más allá de ahí la divinidad no se interesa, explicaba.

En una ocasión creció una planta en medio del patio de forma espontánea. Era una tomatera. En sus frutos y número de hojas Gelabert encontró la revelación que explicaba la comunión entre el cielo y la tierra.

El Dr Sarró consideraba que la referencia a la totalidad en su más amplio sentido era una característica general de los delirios parafrénicos.

Fuentes:

HERNÁNDEZ MERINO, A. (2000): De la pintura psicopatológica al arte como terapia en España, 1917-1987. Universidad Politécnica de Valencia.

SARRÓ BURBANO, R. (1994): De la teoría mitologemática al homo demens (recopilación de MEDIAVILLA, J. L.; GIMENO, Barcelona, E. Policrom S. A.

6 de abril de 2016

Diploma de Art Brut en la Universidad de Granada

cartel DIPLOMA ART BRUT: MUNDOS PARALELOS, SINCERIDAD Y  BRUTALIDAD EN EL ARTEEl próximo 28 de abril tengo el placer de participar en el DIPLOMA ART BRUT: MUNDOS PARALELOS, SINCERIDAD Y BRUTALIDAD EN EL ARTE. I EDICIÓN

Tendrá lugar del 26 de abril al 9 de junio de 2016 y reunirá a los siguientes profesores que pondrán en común con los alumnos sus conocimientos y experiencias en torno al Art Brut:

Alegría Castillo Roses. Artista Plástica
Ángel Cagigas Balcaza. Universidad de Jaén
Asunción Jódar Miñarro. Universidad de Granada
Deborah Couette. Universidad de la Sorbona de París
Graciela García Muñoz. Comisaria e Investigadora
Jo Farb Hernández. San Jose State University de California
María Terrón Caracuel. Universidad de Málaga
Pablo Capitán del Río. Universidad de Granada
Pepa Mora Sánchez. Universidad de Granada
Roberto Pérez Gutierrez. Universidad de Granada
Víctor Borrego Nadal. Universidad de Granada

El curso plantea una inmersión en los microuniversos del art brut, es decir en el trabajo de artistas de todas las nacionalidades que sin haber recibido una formación artística reglada previa, desarrollan su obra fuera de los circuitos comerciales del arte y que involuntariamente cuestionan algunas certezas estandarizadas del mundo artístico contemporáneo.

El Diploma está dirigido principalmente a licenciados, graduados y estudiantes de Artes y Humanidades, Arquitectura y Ciencias de La Salud.

PLAZOS
Inscripción del 31 de marzo al 22 de abril de 2016

LUGAR DE REALIZACIÓN
Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Granada

HORARIOS
26,27,28 y 29 de abril de 2016 de 16:30 a 21:00 horas
4,5,6, 10, 11 y 12 de mayo de 2016 de 16:30 a 21:00 horas
17 y 18 de mayo de 2016 de 16:00 a 21:00 horas
19 de mayo de 2016 a las 19:00 horas (Inauguración Exposición)

DURACIÓN: 125 horas

PLAZAS: 60

PRECIO: 52,68 €*

PLAZO DE SOLICITUD DE BECA
Del 31 de marzo al 22 de abril de 2016
Se destinarán a becas un máximo del 13 % del presupuesto y se distribuirán conforme a los criterios establecidos según la normativa
de becas de la Universidad de Granada

Más información en la Web de la Universidad de Granada

Para inscribirte contacta con:
Fundación General Universidad de Granada-Empresa
Centro de Transferencia Tecnológica
Gran Vía de Colón 48. Planta 1ª
18071 Granada
Email: posgrados@fundacionugrempresa.es
Teléfono: 958 24 83 79

 

Descárgate el folleto con la información completa

13 de marzo de 2016

José Manuel Egea. Quedar negro para siempre

Desde que tenía diez años José Manuel Egea (Madrid, 1988) se ha sentido fascinado por el mito del Hombre Lobo y en particular por la fase de transformación del hombre en bestia, por ese paso de blanco a negro, de ser humano a criatura poderosa y terrible.

Aunque empezó a pintar y dibujar siendo muy niño, José Manuel Egea ha desarrollado la mayor parte de su obra en los talleres del Colectivo Debajo del Sombrero, que le acogen desde 2010. Su obra abarca desde el dibujo y la intervención de revistas, hasta muñecos y máscaras, pasando por la escultura y la acción.

La “lobez” en la obra de Jose Manuel Egea

La fábula del hombre que se transforma en lobo es la raíz de la obra de Egea y como ésta también participa del carácter performático del mito. Una de sus líneas de trabajo consiste en la intervención de fotografías que arranca de revistas y que raya con bolígrafo hasta que el retratado queda sepultado bajo el negro de la tinta, desapareciendo tal y como le conocemos para dar paso al monstruo.

Al observar de cerca las imágenes comprendemos que la dirección e intensidad del trazo de bolígrafo o rotulador es fundamental para provocar la emergencia de la bestia. Egea no se conforma con cubrir la imagen de negro. Se trata más bien de invocar al animal que late dentro del retratado y que pugna por salir. Se raya en la dirección en la que el pelo brota de la cara. Se raya con muchísima fuerza, dejando huella en el papel violentado. Trascendiendo su aparente lisura, transformándolo a él también.

Obras de Egea de 2012 y 2013

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Obra de Egea de 2015

A Egea no le resulta difícil conectar con la lobez –como él mismo la llama– que reside bajo la apariencia de las personas. Él la conoce bien debido a sus propios accesos durante los que se manifiestan su necesidad de aullar para tranquilizarse y su pasión por rasgar todo tipo de cosas, en especial su ropa.

Su familia cuenta que en casa tiene la manía de romper papeles, de preferencia imagenes de revistas y de libros, sobre todo de arte, que deben esconderle para evitar que los corte o les arranque las tapas. Su familia mitiga esta pulsión ordenando los libros con los cantos hacia dentro para que no se vean las cubiertas. También rasga todos los cuadros y láminas. Algunos de estos siguen colgados con las telas rotas y caídas hacia delante con el cosiguiente desconcierto de las visitas.

El imaginario de Egea

El imaginario de Egea se nutre de figuras y rasgos físicos asociados al universo del Hombre Lobo, se influencia por el lenguaje de los cómics de Marvel y ante todo, emerge como un universo propio: singular y consistente.

Las garras son una estilización puntiaguda de una mano en la que suele señalar una articulación en cada dedo mediante un círculo.

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Obra de Egea de 2013

Las orejas, también puntiagudas, a veces recuerdan más a las orejas de un conejo que a las de un lobo, como si en ellas lo más importante fuera señalar lo asombroso de su crecimiento. A menudo vacía, ennegrece o perfora los ojos en las imágenes de las revistas. Es raro que no intervenga los ojos para hacer desaparecer de ellos “lo humano”.

La luna llena, cuya aparición está en la leyenda asociada a la transformación del hombre en lobo, es representada por Egea como una especie de granada que contiene fecunda a otros círculos a su vez.

Algo que también está muy presente en su obra es la representación del hocico y las fauces del lobo o, expresado en sus propias palabras, el “morro hasta aquí” al que también llama “factor machista”, lo que no se sabe muy bien qué significa. Podemos ver este morro dibujado sobre la fotocopia de una fotografía en la que aparece junto a unos niños. Arriba a la izquierda está la luna-granada.

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Intervención de Egea sobre fotocopia de fotografía

También hay una serie de palabras o frases que le atraen y que repite misteriosamente mientras dibuja: andrógino, nacimiento, transformación, machistar, Fantariló, Guéndido, me gustaría ver nacer a mi padre, sacristía, nacer desnudo, cordón umbilical, Aldano Pegalobeces, el tonto la playa, pegar la lobez a un adolescente se vuelve medio hombre medio lobo, Que duerman con él, ponerse negro, hipertricosis, crisálinda, quedar negro para siempre, los hominidos –los hominidos al parecer le dan mucho miedo.

Intereses recientes

En su trabajo reciente está muy interesado en los palos, los coge de la calle y los arranca de los árboles. Los considera asociados a la muerte del Hombre Lobo, lo que resulta una confusión interesante porque tradicionalmente sólo se puede matar a un hombre lobo con una bala de plata, si bien resulta más orgánico y potente la imagen de la estaca, tradicionalmente asociada a la muerte de los vampiros. Esta fusión o confusión entre seres legendarios no es disparatada. Ambos son considerados los dos mitos más universales que existen. Ambos están relacionados con el hombre-bestia que es indestructible por medios convencionales y los dos son extremadamente fuertes, astutos y rápidos.

Un arquetipo: La Fuerza

El otro ser legendario que atrae a Egea, aunque en menor medida que el Licántropo es el superhéroe de Marvel Hulk, la Masa, cuyo principal atributo es la potencia descomunal de su enorme cuerpo y al que Egea gusta de imitar.

José Manuel Egea parace sentir una atracción especial por la fuerza además de, como venimos diciendo, una habilidad singular para sacar la bestia que mora debajo de lo apariencial, para revelar lo poderoso, lo animal, lo negro. Hay una carta del Tarot, el arcano número XI “La fuerza”, que refleja bien la potencia simbólica de las creaciones de Egea. El Arcano XI es representado en el Tarot de Marsella como una mujer que abre las fauces de un león. Las abre sin esfuerzo, a pesar de su nombre, porque esta carta simboliza ante todo un pasaje: una apertura al conocimiento del inconsciente. Invita a superar la máscara para conocer lo animal que reside en nosotros y convertirlo en poder. Esa fuerza arcaica entendida no sólo como poder físico sino también como poder mental parece ser un motor y una línea de búsqueda plástica para José Manuel Egea.

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Retratos de José Manuel Egea. ©Teresa Isasi

 

Fuentes de las imágenes y la información:

La información y anécdotas sobre Jose Manuel Egea provienen de Luis Sáez, Gemma Calleja y Lola Barrera Lemus del Colectivo Debajo del Sombrero así como de Mª Angeles Laura Moreno Moreno, madre del artista.
Las imágenes han sido facilitadas por el Colectivo Debajo del Sombrero siendo las de retrato de la fotógrafa ©Teresa Isasi.

Artículo completo próximamente en la revista Bric-à-Brac.

11 de octubre de 2015

Sauvages. Charlas sobre literatura, arte y locura

Sauvages. Charlas sobre literatura, arte y locura

 

Este año tengo el placer de colaborar en la segunda edición del Festival FES-MAP, el Festival de las Artes y la Salud Mental que tiene lugar en los Pirineos.

El festival se compone de charlas, exposiciones, proyecciones de cine e intervenciones murales.

Una de las exposiones, llamada “El afuera” y que curiosamente tiene lugar en la Plaza de Los Fueros está formada por las obras de tres creadores españoles a los que quiero y sigo desde hace tiempo y cuya obra reuní en la exposición Arte Expósito: Dunya Hirschter, Fernando Ventura y Chus Oliva.

SAUVAGE. ENCUENTRO SOBRE ARTE, LITERATURA Y LOCURA propone una aproximación al encuentro de las artes y la mente humana en toda su diversidad. La charla de presentación en la que participo tendrá lugar el sábado 14 noviembre a las 12:00h en la Sala Genius, Bendita Ruina, Coso Bajo, 79, Huesca. Allí estarán Carlos Castán (escritor y crítico literario), Adriana Leira (fotógrafa y realizadora de “El revés del tapiz de la locura”) y Araceli Fernández del Campo (educadora y gestora cultural en Caixa Forum).

Podéis encontrar la información completa y descargar el programa (ole por el diseño, dicho sea de paso) en la web www.fes-map.com

23 de septiembre de 2015

Exposición virtual “Uno y siempre diverso”

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"Sombreros de personajes" de Miguel García

Esta exposición ha sido concebida por FEAPS Madrid para dar visibilidad o, dicho literalmente, para sacar de sus carpetas, al nutrido patrimonio artístico que atesoran los talleres en los que trabajan personas con discapacidad intelectual.

Durante la jornada de presentación, que tuvo lugar ayer 22 de septiembre en La Casa Encendida, pudimos contar con una mesa redonda compuesta por Ana Belén Núñez, Ícaro Maiterena, Noemí Martínez y Luis Saez, todos ellos con una gran experiencia en talleres de arte, además de la artista Virginia Ruíz y Ana Lozano, representando a FEAPS.

Entre el público estaban buena parte de los artistas de la exposición y fue un gusto contar con algunas intervenciones inesperadas, como la de un participante de los talleres del Centro Montalvo que quiso compartir su trabajo de cómic con nosotros.

también se mostraron los resultados de las acciones realizadas por las entidades de la Red de cultura en el marco del proyecto Más Cultura = Más Inclusión y el vídeo que recoge la muestra, un montaje con las obras de la exposición y los retratos de los participantes que, muy pronto, estará disponible en la web de la exposición virtual: cultura.feapsmadrid.org/

29 de julio de 2015

Josep Baqué, el guardia urbano que creó un bestiario

josep-baque-retratoJosep Baqué fue un policía municipal barcelonés que en su tiempo libre compuso un atlas de 1500 monstruos.

Para ser un agente de la ley los monstruos de la calle le interesaban bastante poco. Lo suyo eran las criaturas inventadas, seres surgidos de la yuxtaposición de miembros animales de diferentes especies con actitudes o detalles humanos.

Josep Baqué fue probablemente un hombre de la mente más que de la tierra. Un hombre que se esforzó por mantener un equilibrio entre interactuar con el mundo y su tendencia a retirarse de él.

Nació en Barcelona en 1895. Un dato curioso es que su madre habría querido tener una niña y lo vistió como tal hasta la edad de cinco años. Esto que puede parecer anecdótico quizás jugó un papel en esa vida disociada que después le llevó a vivir entre dos mundos: el real y el de su fantasía. Cuando no nos sentimos aceptados podemos huir hacia dentro y vivir en este mundo pero, como dijo Cortázar, con “la sensación de no estar del todo”.

Más tarde, en el colegio, le costaba la disciplina de estudio y se mostraba rebelde y excéntrico. Ya de niño aprendió a evadirse en el arte sobrevolando las ilustraciones de las revistas de Art Nouveau que le regalaba su tío. Es posible que su sensibilidad para el color y la ornamentación despertaran al contacto con estas ilustraciones y con los azulejos de la fábrica en la que trabajaba su padre, muy exitosa en la época.

Decidido e independiente, abandonó su casa con tan sólo 17 años para ganarse la vida en el extranjero, algo poco habitual en la época. Estuvo primero en Marsella y luego en Alemania, desarrollando trabajos diversos como pinche o picapedrero. Allí, sus cabellos rubios, su gran estatura y su dominio del idioma le jugaron una mala pasada cuando, en los albores de la Primera Guerra Mundial, intentó volver a España. Cosa que no consiguió hasta pasados varios trámites para demostrar que no era un desertor alemán.

Una vez en España tuvo que cumplir con sus obligaciones militares pero intentó mantenerse todo lo desapegado que le permitían los castigos.

Entre 1920 y 1928 vivió en Alemania, Bélgica y Francia, trabajando la mayor parte del tiempo como grabador en piedra de monumentos funerarios.

Nadie sabe por qué decidió regresar a Barcelona en 1928. Fue entonces cuando le consiguieron un empleo de guardia municipal. Vivió soltero y con su madre hasta la muerte de ésta. No se le conoció pareja hasta su fallecimiento en 1967, momento en que una mujer se puso en contacto con su sobrina para anunciarle el óbito e invitarla a venir a recoger sus pertenencias personales.

Podemos imaginar la sorpresa de su sobrina al encontrarse con la insólita creación de su tío. Ella era una de las pocas personas con las que Josep Baqué había tenido un vínculo cercano pero, desde que ella se casó, las relaciones se habían enfriado.

Observando los dibujos uno comprende que Josep Baqué se divertía, que jugaba. Que en la soledad de la creación se cargaba de la energía que la existencia mundana, siempre un poco ajena aunque no del todo indeseable, le hacía perder. Probablemente también se sosegaba y experimentaba ese extraño placer que sólo entendemos los niños raros, los que nos hemos abstraído —o substraído de la realidad— dibujando nuestra propia baraja de cartas. Esa mezcla de goce y ligero tedio al terminar una carta y pasar a la siguiente. Ponerlas todas juntas. Ver lo que se va creando. Guardarlas. Volver a mirarlas al día siguiente. Sentirse orgulloso y avaro.

Es posible que crear este atlas fuera para Josep Baqué una forma de regresar a la cálida guarida del niño solitario, inteligente, sensible y ligeramente inadaptado. Una manera de recuperar ese reducto de placer donde el tedio de la serialización y la diversión de las variaciones crean un caldo de fantasía y control de lo más reconfortante.

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Su enciclopedia de monstruos está compuesta por 1.500 dibujos de criaturas clasificadas como: “bestias y animales salvajes”, “hombres primitivos”, “murciélagos e insectos”, “arañas gigantes”, “serpientes”, “caracoles”, “pulpos y sepias”, “animales alados y peces”.

Cada lámina mide aproximadamente 17 x 34 cm y están realizadas con lápiz, témpera, tinta y acuarela sobre papel granuloso que encontraba en el trabajo. Todas cuentan con un marco y unas guías a lápiz para alojar una leyenda que permanece en todos los casos vacía.

Para Baqué la categorización y el orden eran muy importantes y las piezas están numeradas y recogidas en un estuche de cartón. Toda una suerte porque nos permite ver las diferencias entre los primeros dibujos, más naives, y los últimos, donde se aprecia la evolución.

— Hasta aquí llega el post sobre Josep Baqué y comienza una anécdota, si sólo te interesa Baqué aquí termina tu lectura—

Me encantan las casualidades y no puedo dejar de contarlo. Las casualidades son regalos que la vida reparte caprichosamente si bien, como dijo Pasteur, la casualidad tiende a sorprender a los espíritus atentos. También es cierto —y esto ya no lo dijo Pasteur — que a veces lo que parecen casualidades no son sino el fruto de una guía inconsciente en esos momentos en que la consciencia cree que manda y sin embargo te lleva a ver dos exposiciones que en principio no tienen nada que ver con Josep Baqué.

Y así fue como me tocó el regalo de la casualidad. Tras pasar la mañana inmersa en unos libritos de Josep Baqué que un amigo lector del blog ha tenido la amabilidad de enviarme, voy al Caixa Forum para ver una exposición que tenía pendiente desde hacía tiempo: Yo veo lo que tú no ves, una pequeña pero nutrida muestra sobre arte realizado por personas con TEA.

Allí me sorprendo con el paralelismo entre las obras de Baqué y las de Lilja Beer, una mujer de 37 años con autismo que también atesora su propia granja de animales imaginarios dibujados con lápices de colores y bolígrafos. La afinidad con los monstruos de Baqué salta a la vista.

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Dicho sea de paso la exposición merece la pena por el interés de algunas de las obras y porque ayuda a comprender la experiencia —la dureza y la riqueza— del autismo a través del testimonio gráfico/animado de algunas personas.

Aprovechando la visita al Caixa Forum voy a por la segunda exposición que tenía ganas de ver, una sobre animales en el arte egipcio. Lo sorprendente en este caso no sé si es la casualidad o que no me diera cuenta hasta ahora, escribiendo este post, del evidente paralelismo que hay también entre Baqué y el imaginario egipcio, que observaba, escogía y mezclaba los animales para concebir criaturas simbólicas.

Y después de este baño de criaturas inéditas me entran ganas de ponerme a dibujar y a crear mi propio bestiario.

¡Hasta después de las vacaciones!

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