6 de febrero de 2018

MESA REDONDA. EL ARTE COMO ESPACIO DE ENCUENTRO EN LOS MÁRGENES

El próximo jueves 15 de febrero participo como moderadora en una mesa redonda que reunirá a dos artistas, María Bueno y Bilal Dadou, que durante estos últimos meses han trabajado en centros de atención a la diversidad desarrollando proyectos artísticos mamo a mano con los usuarios. En ella nos contarán cómo ha sido su experiencia, de qué manera ha fluído el trabajo y también podremos escuchar las voces de las personas que en los talleres han podido acercarse a la creación de una manera distinta a cómo lo hacen a diario.

El encuentro se enmarca en el elenco de actividades paralelas de Art Madrid y tendrá su eco en la propia feria donde será expuesta la obra “El pollo Repollo” desarrollada en Fundación Esfera de la mano de María Bueno.

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Espacio Convergente es el nombre de la I Convocatoria de Residencias Artísticas realizada en el marco del programa “Más Cultura, Más Inclusión”, proyecto de Plena Inclusión Madrid y Fundación Repsol que se desarrolla desde 2012 con la convicción de que la cultura es un elemento fundamental para el desarrollo personal y la inclusión social. Esta iniciativa apuesta por construir un espacio de encuentro entre artistas que trabajan con proyectos profesionales y personas cuyas prácticas artísticas se realizan al margen de lo académico. Este proyecto ha sido distinguido con el Premio Reina Letizia de Cultura Inclusiva 2017. Las residencias artísticas Espacio Convergente son estancias que un artista desarrolla en una entidad para desarrollar un proyecto artístico colaborativo.

Participantes: Con María Bueno y Bilal Dadou, artistas de Espacio Convergente y Ana Lozano Fernández, coordinadora de Más Cultura Más Inclusión. Modera: Graciela García, comisaria experta en arte outsider.

Cuándo: JUEVES 15 DE FEBRERO, 19:30h.

Dónde: La Quinta del Sordo (c/del Rosario, 15. Madrid)

Entrada libre hasta completar aforo.
Más información en la página de Art Madrid

17 de noviembre de 2017

Inauguración de la exposición “Neus Sala, el Museo íntimo”

arte outsider en españa, barcelona. Neus Sala

El próximo 24 de noviembre a las 19h inauguramos la exposición “Neus Sala, el museo íntimo” en el Muxart de Martorell.
Comisariada por Marta Miró y Graciela García

11 de noviembre de 2017

Neus Sala, el museo íntimo

Es un sábado cualquiera de por ejemplo, 2006. Inauguran una exposición en L’Enrajolada. No importa de qué sea, entre los asistentes encontraremos, infaltable, la figura de una pequeña mujer.

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Su pelo canoso rematado en un flequillo enmarca un rostro pálido de ojos achinados bajo rectas cejas de lápiz negro. Siempre va coqueta, con los labios pintados de carmín y vestida con ropa que ella misma confecciona o retoca. ¡Verde con rojo! ¡Amarillo y blanco! ¡Estampados de flores! Cada conjunto realzado con un extravagante collar largo.

Neus Sala, El múseo íntimo, art brut en España

A veces habla con los trabajadores del museo. Ellos están acostumbrados a verla y a escucharla. A Neus le gusta presumir de tener un museo propio en su apartamento pero muy pocos han tenido la oportunidad de verlo. La Neus, que quiere y no quiere mostrarse, a quien le resulta quizás más fácil compartir lo que escribe.Sus poesías, que presenta a concursos locales, son cantos manieristas que le procuran, a veces, pequeños reconocimientos.

El sufrimiento está presente en muchos de sus escritos biográficos. Neus Sala sufrió mucho a lo largo de su vida, entre otras cosas la guerra, la muerte de cinco seres queridos incluido su hijo en extrañas circunstancias y varios atropellos que la llevaron a someterse a frecuentes operaciones de las manos y los pies. Sus diarios traslucen también un fuerte deseo de relevancia personal. Neus fue una mujer muy activa y apasionada por todo lo que tuviera que ver con la música y el baile. Además, Neus escribía, pintaba, bordaba y cuidaba centenares de plantas.

Neus Sala, El múseo íntimo, art brut en España

Neus Sala, El múseo íntimo, art brut en España

Pero lo más interesante es lo que se cocinaba lenta e implacablemente entre las paredes de su hogar. No sabemos cómo ni cuándo comenzó la transformación. Fue quizás por la pared del recibidor, que cubrió de billetes de lotería almacenados durante años. Algo debió gustarle en el resultado o en el proceso porque los muros del apartamento terminaron forrados con elementos seriados de todo tipo: recordatorios de comunión, mapas, sellos, postales de Reyes Magos… Cada tramo parece merecer un tema o tratamiento. Neus deja pocos espacios en blanco. Como la mayoría de creadores autodidactas que se guían por la compulsión, parece buscar anegar el vacío.

Neus Sala, El múseo íntimo, art brut en España

Neus Sala, El múseo íntimo, art brut en España

Neus Sala, El múseo íntimo, art brut en España

Fotografías de Josep Socorret

A partir de cierto momento decide también no tirar ningún envase de plástico porque cualquier vulgar bote puede ser pintado y transformado en un voluptuoso jarrón. Hablamos de cientos de botes a los que se les concede una segunda oportunidad, más gloriosa y noble, que transciende su funcional y perecedero destino. Neus les da vida y los encumbra en estanterías por toda la casa. En estas creaciones es donde mejor se aprecia el imaginario de Neus, donde lo femenino y la naturaleza explotan con exuberancia.

Su universo pictórico tiene puntos de encuentro con el de Aloïse Corbaz, la conocida artista outsider austriaca. La omnipresencia de la mujer joven idealizada, la sensualidad, la gloria, los colores vibrantes, en particular el rojo, los ojos, las bocas, las flores… Ambas hubieran querido ser cantantes de renombre pero su sueño se vio frustrado y se entregaron a la recreación de lo fastuoso en su obra íntima, que vuela donde ellas no pudieron llegar. Una obra en la que estallan incontrolables los deseos. Inundando, en el caso de Neus, cada rincón del hogar. A veces tomando la forma de una pulsión coleccionista como si acumulando y ordenando objetos pudiera uno apropiarse del mundo, cuyas injustas e imprevisibles leyes escapan de nuestro control.

Las caras de mujer y las flores emergen por todas partes, no solo en los envases, también en los cojines, los muebles pintados… Hasta una bombilla puede ser transformada en una carita de mujer joven, hermosa, sin defectos ni peculiaridades. Siempre la misma. Su principal atención se centra en los ojos y las bocas, que a menudo se representan sueltos, como seres independientes. Los ojos y las bocas son al fin y al cabo los principales intermediarios del rostro. Cuando los cerramos estamos con nosotros mismos. Cuando los abrimos comienzan las alegrías y los problemas (el contacto con los otros).

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La boca representa lo sensual, la comunicación, la oralidad, el deseo… y no olvidemos que la boca es la última parte del cuerpo que atraviesa el canto. El canto arrebatado de Neus, que hubiera querido dedicarse a cantar y bailar pero a quien la vida llevó por otro lado. Es la boca la que pide atención y la que entrega besos, la que encandila y da las gracias tras una espléndida actuación. También es una estructura sensorial: un bebé se lleva continuamente cosas a la boca para saber qué son. Encarna el sentido de diferencia entre lo que está dentro y lo que está fuera, es una puerta.

Puertas. La exposición abre una puerta al espacio íntimo de Neus. Ese espacio que, como decíamos, tanto deseaba mostrar y que también celó. En uno de sus dibujos aparece una mujer semi-oculta tras su mano de la que vemos sólo un ojo ¿está escondiéndose? ¿vigilando?

Hoy su obra está a punto de exponerse en el Muxart, uno de los museos de Martorell y nos gusta pensar en cómo ella habría disfrutado de verse al fin reconocida como artista. Ver que su museo íntimo funciona al fin como tal, que merece atención, estudio, cariño y admiración. La inauguración tendrá lugar el 23 de noviembre de 2017. Pronto daremos a conocer más detalles sobre la exposición.

La belleza de este proyecto reside en abrir la puerta a uno de esos universos que pueden estar sucediendo en cualquier casa, en cualquier apartamento, sin que nos demos cuenta. Que un día como si nada comienzan, y empiezan a extenderse por toda la casa, tomando posesión de paredes, muebles, techos… y que un día, como si nunca hubiesen existido, mueren acompañando la existencia de su devoto fabricante. Sencillamente dejan de existir y con ellos un colosal y privado arte, rico en imaginario y evocaciones personales.

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21 de junio de 2017

Convocatoria de Residencias Artísticas Espacio Convergente

arte outsider art brut madrid convocatoria plena inclusión

Plena Inclusión Madrid lanza Espacio Convergente, su primera convocatoria de residencias artísticas

  • · En el marco del proyecto Más Cultura = Más Inclusión de Plena Inclusión Madrid y Fundación Repsol.
  • · Una iniciativa que apuesta por construir un espacio de encuentro entre artistas que trabajan con proyectos profesionales y personas cuyas prácticas artísticas se realizan al margen de lo académico.

Plena Inclusión Madrid pone en marcha la primera convocatoria de residencias artísticas que bajo el título Espacio Convergente, apuestan por construir un punto de encuentro y enriquecimiento mutuo entre artistas que trabajan proyectos profesionales y personas cuyas prácticas artísticas se realizan al margen de lo académico.

Estas residencias forman parte del programa cultural Más Cultura = Más Inclusión, que Plena Inclusión Madrid desarrolla con Fundación Repsol. Con esta convocatoria Plena Inclusión Madrid busca genera espacios de participación, formación y aprendizaje compartido entre artistas con y sin discapacidad durante dos meses en diferentes centros ocupacionales y centros de día de atención a personas con discapacidad intelectual de la Comunidad de Madrid.

Las Residencias Artísticas Espacio Convergente son estancias que un artista desarrolla en una entidad para desarrollar un proyecto artístico colaborativo. En este sentido a través de Espacio Convergente, Plena Inclusión Madrid becará a tres artistas que presenten proyectos relacionados con la danza, la cerámica y las artes visuales (pintura, fotografía y vídeo) y difundirá el resultado de los proyectos desarrollados en los centros en los que se ejecuten las residencias.

La convocatoria Espacio Convergente admite propuestas hasta el próximo 24 de julio, y está dirigida a personas físicas o colectivas del entorno de la creación artística, mayores de 18 años que acrediten haberse dedicado al menos durante dos años a trabajos artísticos o de creación en el campo de las artes visuales, la cerámica o la danza contemporánea.

Las bases pueden consultarse en la página web del proyecto Más Cultura = Más Inclusión, y en la página web de Plena Inclusión Madrid.

23 de abril de 2016

Gelabert, el fontanero del manicomio y los tegramas.

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Tegrama de Gelabert
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Tegrama de Gelabert
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Tegrama de Gelabert

Gelabert entregaba cada día al Doctor Sarró una cuartilla con escritos y dibujos que él llamaba “tegrama” y que iba dirigida a Dios. Sobre el origen del nombre “tegrama”, Gelabert explicaba que si bien el telegrama sirve para relacionar a los hombres entre sí, el tegrama se utiliza para relacionarse con la divinidad.

Gelabert vivía en un contínuo éxtasis cosmogónico si despreciar las labores mundanas de fontanero que le habían sido asignadas en el asilo. Estaba en contacto contínuo con la divinidad, de quien se consideraba representante «interino-intermitente, del pueblo ignorante y pagano» transcribiendo sus propias escrituras.

Gelabert encontraba mensajes divinos en cada rincón de su pequeño mundo. La naturaleza del patio del manicomio era su principal fuente de revelaciones. Las encontraba en el vuelo de un insecto, en las nubes, en la dirección en que caminaba una orguga… pero sobre todo en los números, especialmente los de la primera docena ya que más allá de ahí la divinidad no se interesa, explicaba.

En una ocasión creció una planta en medio del patio de forma espontánea. Era una tomatera. En sus frutos y número de hojas Gelabert encontró la revelación que explicaba la comunión entre el cielo y la tierra.

El Dr Sarró consideraba que la referencia a la totalidad en su más amplio sentido era una característica general de los delirios parafrénicos.

Fuentes:

HERNÁNDEZ MERINO, A. (2000): De la pintura psicopatológica al arte como terapia en España, 1917-1987. Universidad Politécnica de Valencia.

SARRÓ BURBANO, R. (1994): De la teoría mitologemática al homo demens (recopilación de MEDIAVILLA, J. L.; GIMENO, Barcelona, E. Policrom S. A.

6 de abril de 2016

Diploma de Art Brut en la Universidad de Granada

cartel DIPLOMA ART BRUT: MUNDOS PARALELOS, SINCERIDAD Y  BRUTALIDAD EN EL ARTEEl próximo 28 de abril tengo el placer de participar en el DIPLOMA ART BRUT: MUNDOS PARALELOS, SINCERIDAD Y BRUTALIDAD EN EL ARTE. I EDICIÓN

Tendrá lugar del 26 de abril al 9 de junio de 2016 y reunirá a los siguientes profesores que pondrán en común con los alumnos sus conocimientos y experiencias en torno al Art Brut:

Alegría Castillo Roses. Artista Plástica
Ángel Cagigas Balcaza. Universidad de Jaén
Asunción Jódar Miñarro. Universidad de Granada
Deborah Couette. Universidad de la Sorbona de París
Graciela García Muñoz. Comisaria e Investigadora
Jo Farb Hernández. San Jose State University de California
María Terrón Caracuel. Universidad de Málaga
Pablo Capitán del Río. Universidad de Granada
Pepa Mora Sánchez. Universidad de Granada
Roberto Pérez Gutierrez. Universidad de Granada
Víctor Borrego Nadal. Universidad de Granada

El curso plantea una inmersión en los microuniversos del art brut, es decir en el trabajo de artistas de todas las nacionalidades que sin haber recibido una formación artística reglada previa, desarrollan su obra fuera de los circuitos comerciales del arte y que involuntariamente cuestionan algunas certezas estandarizadas del mundo artístico contemporáneo.

El Diploma está dirigido principalmente a licenciados, graduados y estudiantes de Artes y Humanidades, Arquitectura y Ciencias de La Salud.

PLAZOS
Inscripción del 31 de marzo al 22 de abril de 2016

LUGAR DE REALIZACIÓN
Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Granada

HORARIOS
26,27,28 y 29 de abril de 2016 de 16:30 a 21:00 horas
4,5,6, 10, 11 y 12 de mayo de 2016 de 16:30 a 21:00 horas
17 y 18 de mayo de 2016 de 16:00 a 21:00 horas
19 de mayo de 2016 a las 19:00 horas (Inauguración Exposición)

DURACIÓN: 125 horas

PLAZAS: 60

PRECIO: 52,68 €*

PLAZO DE SOLICITUD DE BECA
Del 31 de marzo al 22 de abril de 2016
Se destinarán a becas un máximo del 13 % del presupuesto y se distribuirán conforme a los criterios establecidos según la normativa
de becas de la Universidad de Granada

Más información en la Web de la Universidad de Granada

Para inscribirte contacta con:
Fundación General Universidad de Granada-Empresa
Centro de Transferencia Tecnológica
Gran Vía de Colón 48. Planta 1ª
18071 Granada
Email: posgrados@fundacionugrempresa.es
Teléfono: 958 24 83 79

 

Descárgate el folleto con la información completa

13 de marzo de 2016

José Manuel Egea. Quedar negro para siempre

Desde que tenía diez años José Manuel Egea (Madrid, 1988) se ha sentido fascinado por el mito del Hombre Lobo y en particular por la fase de transformación del hombre en bestia, por ese paso de blanco a negro, de ser humano a criatura poderosa y terrible.

Aunque empezó a pintar y dibujar siendo muy niño, José Manuel Egea ha desarrollado la mayor parte de su obra en los talleres del Colectivo Debajo del Sombrero, que le acogen desde 2010. Su obra abarca desde el dibujo y la intervención de revistas, hasta muñecos y máscaras, pasando por la escultura y la acción.

La “lobez” en la obra de Jose Manuel Egea

La fábula del hombre que se transforma en lobo es la raíz de la obra de Egea y como ésta también participa del carácter performático del mito. Una de sus líneas de trabajo consiste en la intervención de fotografías que arranca de revistas y que raya con bolígrafo hasta que el retratado queda sepultado bajo el negro de la tinta, desapareciendo tal y como le conocemos para dar paso al monstruo.

Al observar de cerca las imágenes comprendemos que la dirección e intensidad del trazo de bolígrafo o rotulador es fundamental para provocar la emergencia de la bestia. Egea no se conforma con cubrir la imagen de negro. Se trata más bien de invocar al animal que late dentro del retratado y que pugna por salir. Se raya en la dirección en la que el pelo brota de la cara. Se raya con muchísima fuerza, dejando huella en el papel violentado. Trascendiendo su aparente lisura, transformándolo a él también.

Obras de Egea de 2012 y 2013

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Obra de Egea de 2015

A Egea no le resulta difícil conectar con la lobez –como él mismo la llama– que reside bajo la apariencia de las personas. Él la conoce bien debido a sus propios accesos durante los que se manifiestan su necesidad de aullar para tranquilizarse y su pasión por rasgar todo tipo de cosas, en especial su ropa.

Su familia cuenta que en casa tiene la manía de romper papeles, de preferencia imagenes de revistas y de libros, sobre todo de arte, que deben esconderle para evitar que los corte o les arranque las tapas. Su familia mitiga esta pulsión ordenando los libros con los cantos hacia dentro para que no se vean las cubiertas. También rasga todos los cuadros y láminas. Algunos de estos siguen colgados con las telas rotas y caídas hacia delante con el cosiguiente desconcierto de las visitas.

El imaginario de Egea

El imaginario de Egea se nutre de figuras y rasgos físicos asociados al universo del Hombre Lobo, se influencia por el lenguaje de los cómics de Marvel y ante todo, emerge como un universo propio: singular y consistente.

Las garras son una estilización puntiaguda de una mano en la que suele señalar una articulación en cada dedo mediante un círculo.

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Obra de Egea de 2013

Las orejas, también puntiagudas, a veces recuerdan más a las orejas de un conejo que a las de un lobo, como si en ellas lo más importante fuera señalar lo asombroso de su crecimiento. A menudo vacía, ennegrece o perfora los ojos en las imágenes de las revistas. Es raro que no intervenga los ojos para hacer desaparecer de ellos “lo humano”.

La luna llena, cuya aparición está en la leyenda asociada a la transformación del hombre en lobo, es representada por Egea como una especie de granada que contiene fecunda a otros círculos a su vez.

Algo que también está muy presente en su obra es la representación del hocico y las fauces del lobo o, expresado en sus propias palabras, el “morro hasta aquí” al que también llama “factor machista”, lo que no se sabe muy bien qué significa. Podemos ver este morro dibujado sobre la fotocopia de una fotografía en la que aparece junto a unos niños. Arriba a la izquierda está la luna-granada.

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Intervención de Egea sobre fotocopia de fotografía

También hay una serie de palabras o frases que le atraen y que repite misteriosamente mientras dibuja: andrógino, nacimiento, transformación, machistar, Fantariló, Guéndido, me gustaría ver nacer a mi padre, sacristía, nacer desnudo, cordón umbilical, Aldano Pegalobeces, el tonto la playa, pegar la lobez a un adolescente se vuelve medio hombre medio lobo, Que duerman con él, ponerse negro, hipertricosis, crisálinda, quedar negro para siempre, los hominidos –los hominidos al parecer le dan mucho miedo.

Intereses recientes

En su trabajo reciente está muy interesado en los palos, los coge de la calle y los arranca de los árboles. Los considera asociados a la muerte del Hombre Lobo, lo que resulta una confusión interesante porque tradicionalmente sólo se puede matar a un hombre lobo con una bala de plata, si bien resulta más orgánico y potente la imagen de la estaca, tradicionalmente asociada a la muerte de los vampiros. Esta fusión o confusión entre seres legendarios no es disparatada. Ambos son considerados los dos mitos más universales que existen. Ambos están relacionados con el hombre-bestia que es indestructible por medios convencionales y los dos son extremadamente fuertes, astutos y rápidos.

Un arquetipo: La Fuerza

El otro ser legendario que atrae a Egea, aunque en menor medida que el Licántropo es el superhéroe de Marvel Hulk, la Masa, cuyo principal atributo es la potencia descomunal de su enorme cuerpo y al que Egea gusta de imitar.

José Manuel Egea parace sentir una atracción especial por la fuerza además de, como venimos diciendo, una habilidad singular para sacar la bestia que mora debajo de lo apariencial, para revelar lo poderoso, lo animal, lo negro. Hay una carta del Tarot, el arcano número XI “La fuerza”, que refleja bien la potencia simbólica de las creaciones de Egea. El Arcano XI es representado en el Tarot de Marsella como una mujer que abre las fauces de un león. Las abre sin esfuerzo, a pesar de su nombre, porque esta carta simboliza ante todo un pasaje: una apertura al conocimiento del inconsciente. Invita a superar la máscara para conocer lo animal que reside en nosotros y convertirlo en poder. Esa fuerza arcaica entendida no sólo como poder físico sino también como poder mental parece ser un motor y una línea de búsqueda plástica para José Manuel Egea.

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Retratos de José Manuel Egea. ©Teresa Isasi

 

Fuentes de las imágenes y la información:

La información y anécdotas sobre Jose Manuel Egea provienen de Luis Sáez, Gemma Calleja y Lola Barrera Lemus del Colectivo Debajo del Sombrero así como de Mª Angeles Laura Moreno Moreno, madre del artista.
Las imágenes han sido facilitadas por el Colectivo Debajo del Sombrero siendo las de retrato de la fotógrafa ©Teresa Isasi.

Artículo completo próximamente en la revista Bric-à-Brac.

25 de octubre de 2015

Calle Afuera, exposición fugaz de arte bruto de Guanajuato en Madrid

art brut mexico Guanajuatao, Kaliman

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Creación de Alberto Rodríguez (Kalimán)

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Creación de Alberto Rodríguez (Kalimán)

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Creación de Alberto Rodríguez (Kalimán)

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Creación de Alberto Rodríguez (Kalimán)

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Varias obras en formato marcapáginas de Blanca Lara

Calle Afuera, exposición fugaz de arte bruto de Guanajuato en Madrid

En las calles de Guanajuato hay personas que colorean el afuera con sus ricos y diversos adentros. Personas que de una forma tímida pero anhelante (Blanca Lara) o críptica y solitaria (Alberto Rodríguez, Kalimán) interaccionan con los viandantes a través de sus artefactos.

Ana Karen G. Barajas lleva años siguiéndoles, acompañándoles y recogiendo algunas de sus creaciones. Uno de ellos es Alberto Rodríguez (1969) quien se hace llamar “Kalimán” por su gusto por la historieta y el programa de radio popular que se emitía en México entre los años 1963 y 1991.

Alberto se apodera de la publicidad que recoge por la ciudad y la interviene con su grafía. Escribe compulsivamente, a menudo por las dos caras y mientras lo hace, canta una especie de mantra “Ka Ka Equis Ka” que encuentra su eco en la escritura. A veces también rompe o quema sus creaciones y se unta la ceniza por el cuerpo, completando así una especie de ritual.

Salvo por breves estancias en un hospital psiquiátrico cercano a la ciudad, Alberto vive en las calles guanajuatenses, cobijado por la generosidad de los vecinos y sufriendo a veces su incomprensión.

Blanca Lara es otra persona a la que frecuentemente se ve en las calles vendiendo o produciendo marcapáginas. Estudió Ciencias de la Comunicación y cine en Alemania y parece que durante algún tiempo se dedicó a pintar composiciones abstractas. Actualmente tendrá unos cuarenta y cinco años (no se sabe con seguridad) y los dos temas nucleares de sus dibujos son las mujeres y los pollos. A veces se inspira en cuentos como Alicia a través del espejo o La Cenicienta y en ocasiones también toma imágenes de la vida diaria. Blanca produce en un estado cercano al trance, como pueden apreciar quienes se acercan a conversar con ella mientras dibuja en el Cafetal. El formato usado por Blanca es el del marcapáginas, utiliza folder o cartulina y se dispone a crear con acuarela, pluma y crayón. El antropomorfismo es una constante en sus dibujos y también llama la atención que los elementos de sus composiciones suelan ir ligados por una línea que recuerda a la forma en que sus ideas se conectan, como por un fino hilo, aunque carezcan de relación semántica.

Con el objetivo de mostrar las creaciones que Ana Karen G.Barajas ha ido recopilando estos últimos años y aprovechando su estancia en Madrid, hemos organizado una exposición fugaz con los dibujos de estos dos creadores.

karen-y-gracielaLa exposición “Calle Afuera. Art Brut de Guanajuato” podrá verse en el Espacio B de Lavapiés entre el 5 y el 8 de noviembre.

El día 5 a las 20h, daremos una charla con proyecciones para conocer mejor la obra de estos dos personajes singulares de Guanajuato. Esperamos veros allí.

-Ana Karen G. Barajas y Graciela García

Cómo llegar al Espacio B, calle Buenavista 39.

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